El Clon Festival Barcelona

El próximo 26 de abril se celebrará en la Sala Bikini de Barcelona el Clon Festival, a cargo de las mejores bandas tributo/clon del panorama musical español.
La productora de espectáculos Beba 33 nos descubrirá un mundo de bandas clónicas y bandas tributo a las grandes bandas de la historia del rock. Un fenómeno totalmente consolidado en Gran Bretaña y Estados Unidos y actualmente emergente en nuestro país.

El Clon Festival BCN ofrece un cartel inimaginable y de auténtico lujo. El festival lo abrirá Crazy Horse, que con su guitarra acústica nos ofrecerá un tributo íntimo a Neil Young, seguido de los Aladdin Spiders tributando al indefinible David Bowie, los The Other Doors a Jim Morrison y a sus The Doors. Abbey Road no quiere perderse esta noche y nos ofrecerá una pincelada de su espectacular The Show Beatles. Sus majestades Satánicas estarán representadas por los fantásticos Smoking Stones.

Todas estas bandas consolidadas dentro del panorama musical estatal apadrinan a dos nuevos valores: La Kozmic Band tributo a Janis Joplin y los Crazy Diamond tributo a Pink Floyd.

Fecha, hora y lugar del Clon Festival Barcelona:
26 de abril: Sala Bikini (Barcelona), a las 20:00h.

GABBA: Surfing Queen

Hay una serie de grupos que me producen cierta simpatía: Los grupos imitadores descarados, los que no pretenden engañarte. Los que admiten sus limitaciones y se rien de ellos mismos.

Hoy he descubierto un grupo que se lleva la palma. Qué pasaría si en el futuro, (vamos a esperar que se muera algún miembro del grupo sueco) un cientifico loco injertara los cerebros de Joey Ramone y sus falsos hermanos con los de Agnetha – Björn – Benny – Anni-Frida (ABBA)…?

Pues algo parecido a esto: GABBA
(No os perdáis los detalles de la foto)

Puedes escucharles en su MySpace.

Si algún día me queréis hacer una fiesta sorpresa, estos son a los que quiero ver en lo alto del escenario, me parecen divertidisimos. Estos son algunos de sus éxitos: Gimme Gimme Gimme (Shock Treatment at midnight), The Pinhead takes it all, Surfing Queen, Hey Ho, vamos a la Disco o Fernando es un Punk Rocker. Incluso llegaron a grabar con Phil Smegma. No confundir con Phil Spector…Tremendos!

Su web no tiene desperdicio y la sección de merchandising es brutal. Hasta podemos comprarnos unos jeans rotos por la rodilla… jijiji, o comprarnos el cd a 15 libras, 24 minutos de esquizofrenia.

Veamos un directo, pero os aconsejo mejor el Myspace:

RICHARD HELL

 DESMONTANDO A RICHARD

Hablar de Richard Hell supone hablar de la historia del punk, del rock y de la música en general. Hablar con Richard Hell es, en cambio, toda una sorpresa: sus maneras de escritor reposado, amable e increíblemente cercano desmonta todo mito de enfant terrible, estrella roquera o artista endiosado que se tercie. Ante todo, el hombre tras Television y The Voivoids, es ahora un neoyorquino amante de su ciudad, de los libros, de las palabras y de la vida. Un hombre que, haciendo honor a aquella máxima del punk, se ha hecho él solito a sí mismo. El viernes 3 de marzo estará de nuevo sobre las tablas, en el Teatro Lope de Vega, dentro del Festival Palabra y Música, recitando poemas y escritos varios. Y seduciendo con su voz. No le hace falta más.

Cuando empezaste en la música con los Neon Boys, ¿soñabas ya con ser escritor?

No, no soñaba con ser un escritor cuando estaba montando bandas y tocando. Ya era un escritor cuando era un quinceañero, incluso antes de tocar en ningún grupo. Ya había escrito y publicado poemas cuatro o cinco años antes de comenzar con la música. De hecho una de las razones por las que decidí formar un grupo fue debido a la frustración que me provocaba el poco interés de la gente en la poesía. Me di cuenta que tener una banda era la mejor manera de dar a conocer esa poesía a través de las canciones, además de dar la oportunidad de trabajar al mismo tiempo en otras áreas que también me interesaban -el sonido, por supuesto, pero también la actuación y otros muchos aspectos visuales como la ropa, el diseño de carteles, etc- y que así pudiese prestarle atención más gente. Sí que es cierto que mientras estuve tocando en bandas apenas publiqué nada, en parte porque estaba aplicando todos mis esfuerzos a los grupos y por otro lado porque tampoco quería ser etiquetado como un poeta, como lo había sido ya de rockero. Las letras de las canciones NO son poesía y odio el rock’n’roll con pretensiones de ser poético. No quería que nadie me llamara poeta cuando lo que hacía era rock.

Joe Strummer: el futuro no se ha escrito

Joe Strummer, el líder de la banda The Clash de 1977 en adelante, fue fundamental en la vida de muchas personas; cuatro años después de su muerte, sigue ejerciendo una fuerte influencia en distintos rincones del mundo. En el documental The Future is Unwritten, dirigido por el británico Julien Temple, Joe Strummer es presentado no sólo como una leyenda de la música, sino como un verdadero comunicador de nuestros tiempos. Julien Temple, contemporáneo de Strummer, se inspiró tanto en la historia del punk como en la amistad que se gestó entre ellos durante los últimos años de la vida del cantante. Este documental es un homenaje a Joe Strummer, antes, durante y después de The Clash.

Bono, Steve Buscemi, John Cusack, Johnny Depp, Matt Dillon, Jim Jarmusch, Steve Jones, Anthony Kiedis o Mick Jones son algunas de las personalidades que aportan su propia historia acerca de la vida y la obra del influyente músico británico, al que Temple desea describir por encima de todo como «un auténtico comunicador y orador de nuestro tiempo».

 

 

Julien Temple (Londres, 1953). Mientras estudiaba en el King’s College, Cambridge, descubrió al director que después se convertiría en su héroe: Jean Vigo. Más tarde, en la National Film and Television School, conoció a otra importante figura del espíritu anarquista: los Sex Pistols. Durante su corta y turbulenta vida, se convirtió prácticamente en su amanuense cinematográfico, utilizó su método de filmación en su primera película en The Great Rock´n´Roll Swindle (1979).

Amigo de Strummer, Temple narra el antes, el durante y el después de una banda irrepetible que tanto marcaría la historia de la música desde finales de los 70.

www.joestrummerthemovie.com/

Gay Mercader

El mercader del rock 59 años, más de 2000 conciertos, 30 temporadas en la profesión y un holding de entretenimiento que reagrupa a cinco empresas y casi 40 empleados. Gay Mercader empezó en esto por amor al rock y se ha convertido, con el tiempo, en el amo indiscutible de la música en directo en nuestro país. Lejos del glamour del estrellato, su vida actual discurre en una perdida masía catalana, desde la que controla telefónicamente el negocio, rodeado de perros, gallinas y caballos. Allí le visitamos para hacer recuento en su 30 aniversario como promotor musica

HONKY TONK MAN. «La gente piensa que llevo una vida muy glamurosa, tirado en una villa sin hacer nada, codeándome con famosos y rodeado de tías… Muy al contrario, trabajo todo el día, como cual monje, hago acupuntura, no tengo vida social y apenas salgo de casa un par de veces por semana para ir a mi clase de yoga. Tampoco niego que he vivido muy intensamente en el pasado, de manera muy loca, al más puro estilo rock’n’roll. Esta existencia monacal que hoy llevo es, en cierto modo, el pago de aquellos pecados».

Gay Mercader, promotor musical, 59 años, es un superviviente de los excesos del show business que ha cumplido esta temporada nada menos que tres décadas en el negocio del espectáculo. Ha pasado a la Historia como el hombre que trajo por primera vez a España, en los 70, a los Rolling Stones y otras bandas míticas, y hoy sigue siendo el amo de la música en directo nacional, a través de un holding de empresas que organiza, cada año en nuestro país, entre 170 y 200 actuaciones de estrellas internacionales.

Los Salvajes

Afirmación, aire fresco y lo dura que es la vida. Gay Alegret ha escrito un libro sobre la historia de este gran grupo, «Los Salvajes y yo», para la editorial Lenoir Ediciones/Prodisa.

LOS SALVAJES Afirmación e identidad en el título del libro. Una banda de pop, rock and roll, R & B inglés, mood, ducha en versiones, en letras y música de propia cosecha, a un ritmo salvaje y trepidante de Barcelona a Alemania y de Alemania a Barcelona para hacerse furor en toda España con diferentes edades. Crónica, biografía, periodismo, anécdotas, música, técnica, España, los sonidos, los sesenta, todo eso y mucho más de la mano de uno de los vocalistas más genuinos de este país, según él mismo.
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No Direction Home

Uno de los dvd que me llevé de la biblioteca de mi barrio fué este de Bob Dylan.

Ya ha llegado, y probablemente haya superado nuestras hinchadas expectativas. “No Direction Home”, el documental de Martin Scorsese sobre Bob Dylan ocupa ya espacio en las estanterías de nuestras tiendas favoritas, y el camino hasta el reproductor casero se hace por fin lo suficientemente corto. Una vez abierta esa caja de Pandora, el viento, efectivamente, sopla con fuerza. No trae tantas respuestas como aún mayores preguntas. Pero colabora en un proceso de clarificación que ha ido cogiendo fuerza en los últimos años, y que en los dos últimos nos ha atrapado con más fuerza que nunca, rodeados y asediados de sugestivo material, en todos los formatos posibles, sobre Dylan.

Os dejo este enlace sobre esta peli estupenda.

Hank Williams

Hank Williams fué la primera superestrella de los EEUU, entre 1949 a 1953 colocó 32 singles consecutivos en el Top Ten, 11 fueron número 1.

Hank Williams fue una de las primeras figuras del firmamento pre-rockero. No del modelo patentado tras la aparición del monstruo Elvis, sino del universo poético y durísimo en el que vivieron por ejemplo Jim Morrison (The Doors), Ian Curtis (Joy Division) o Kurt Cobain (Nirvana), es decir, idolos del rock por su personalidad heterodoxa, combativa y contestataria, cuya música ha trascendido más allá del siglo XX. Acaso por ello se puede afirmar que Hank Williams es uno de los grandes padres de la musica contemporánea: Su legado trasciende géneros y fronteras, edades y modas culturales.

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Star

Juanjo Fernandez presenta el recopilatorio Star, la contracultura de los 70 el jueves 7 de febrero de 2008 a las 20h. en la galeria Iguapop Comerç 15, Barcelona.
Diversas valoraciones actuales y selección de articulos y portadas de los 57 números de la revista Star.

Ver el cartel

Esta revista fue mi favorita durante años. Me pasaré a verles.

Onliyú

Recientemente viajé a Valencia, durante el viaje en el Euromed me leí este libro canalla. 100% RECOMENDABLE.

Onliyú
Memorias del underground barcelonés

ONLIYÚ, conocido entre los burócratas como José Miguel González Marcén, nació en Madrid en 1952.

Los años míticos en los que los tebeos estaban hechos de sexo, drogas y rock’n’roll, mezclados a dosis generosas con sangre, sudor y lágrimas y hasta el mismísimo corazón de las tinieblas, en los que una generación irrepetible lo mismo se paseaba en tules y tacón por Ibiza que coordinaba unas jornadas libertarias, tienen un testigo de excepción en la figura de Onliyú.

Una etapa crucial en la historia y evolución del cómic español es revisada en primera persona por Onliyu en el libro de La Cúpula titulado ‘Memorias del underground barcelonés’. Madrileño, nacido en 1952 y licenciado en Filología Hispánica, el autor es un popular y entrañable personaje de la vida intelectual catalana; ameno escritor e incisivo articulista, fue pieza indispensable de la modernidad y la contracultura en aquellos días cruciales que median entre los estertores de la dictadura y el inicio de la Transición. Cuando a principios de los 70 el movimiento underground norteamericano alcanzaba las fronteras españolas para cobrar un diferente sentido en función de un contexto y una idiosincrasia radicalmente diferentes: un punto de inflexión entre el fin de la historieta tradicional y los inicios del «boom del cómic» y el auge de la historieta más o menos adulta. Fueron días de picaresca vital, diversión, fanzines, publicaciones clandestinas, oposición al Régimen, drogas psicodélicas, rock underground y sexo libre antes del SIDA.

De manifestaciones improvisadas en las Ramblas, escapadas a Mallorca, Jornadas Libertarias, santuarios de la naciente «movida» como la sala Zeleste y sedes de la «progresía» como el café de La Ópera. Entre sus protagonistas, pintores, dibujantes, diseñadores y músicos: Nazario, Mariscal, Ocaña, Barceló, Pepichek, Roger, Max, Vallés, Montesol o Jaume Sisa. Además del propio Onliyu, presente o participante en iniciativas esenciales para las viñetas de la época, caso de El Rrollo Enmascarado, La Piraña Divina, la antología ‘Nasti de Plasti’, el emblemático personaje Makoki o revistas imprescindibles como Star (acumulando secuestros y multas), Disco Express y Rock-Comix .Con estilo socarrón, irón ico e incisivo, el autor brinda su personal y lúcida crónica de unos tiempos convulsos y creativamente efervescentes. El libro se cierra con la fundación de la emblemática revista El Víbora en 1979, publicación de la que Onliyu se convertiría en redactor e ideólogo durante su etapa más clásica. Pero eso ya es otra historia…

Entre Barcelona e Ibiza (aun sin macrodiscotecas ni viajes organizados), sexo, drogas, rocanrol y un cambio de régimen todavía en pañales, Onliyú nos relata mil y una anécdotas de unos jóvenes con ganas, talento y pasión por la viñeta. Historias por las que pasean personajes como Oukelele, Gallardo, Max, Pepichek e incluso Jordi Estadella (radiolocutor de culto en la época) o Federico Jiménez Losantos (convencido comunista por aquellos tiempos).

128 páginas – B/N
Precio: 10,00 €
ISBN: 978-84-8449-741-7

Big Mama Thornton

No hace tantos años los músicos negros eran repudiados por las emisoras de radio estadounidenses. Parece como si no tuviesemos memoria o no quisieramos recordar que en ese país los negros viajaban aparte en el autobus o usaban wc’s distintos a los de los blancos. En algunos estados simplemente se les quemaba.

Con todo ese panorama no es de extrañar que había que inventar ídolos blanquitos para esa sociedad conservadora.

Big Mama Thornton, cantante estadounidense de blues y de rhythm and blues es el prototipo clásico de vocalista de blues, su voz es apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Tocaba también la armónica y la batería.

Big Mama Thornton realizó su primera grabación en 1950 para un pequeño sello de Houston. La grabación se hizo bajo el nombre de los Harlem Starso. En 1951 se introdujo definitivamente en el circuito musical de Houston cuando firmó con Peacock Records. Debutó ese mismo año con «Partnership Blues», acompañada por la banda del trompetista Joe Scott. Durante su estancia en Houston conoció y observó a muchos de los grandes blusistas como Junior Parker, quien la influiría enormemente en su estilo de armónica, a Lightning Hopkins, Lowell Fulson, Gatemouth Brown y muchos otros.

Su mayor éxito “Hound Dog”, un single publicado por el sello Peacock en 1953, siete semanas encabezando las listas de Rhythm and Blues, fue desbancado por una versión Rock’n Roll de la canción, interpretada por Elvis Presley… Años más tarde también Janis Joplin versioneó «Ball and chain» de Big Mama.

Oigamos la original:

O veamos un vídeo suyo interpretándola:

La versión de Elvis:

Seré tu espejo

I’ll be your mirror, Velvet Underground

Seré tu espejo
Reflejaré lo que eres en caso de que no lo sepas
Seré el viento, la lluvia y el ocaso
La luz en tu puerta para mostrarte que estás en casa
Cuando pienses que la noche ha visto tu mente
Déjame estar para mostrarte que estás ciego
Por favor baja las manos porque puedo verte
Me resulta difícil creer que no sepas
La belleza que eres
Pero si no, déjame ser tus ojos
Una mano para tu oscuridad para que no tengas miedo
Cuando pienses que la noche ha visto tu mente
Que en tu interior estás retorcido y a disgusto
Déjame estar para mostrarte que estás ciego
Por favor baja tus manos porque puedo verte

Seré tu espejo
(Reflejaré lo que eres)

Escuchémosles:

Simpatia por los Stones

Hoy, gracias a la biblioteca de mi barrio, he conseguido ver esta película de la que iba detrás hacía mucho tiempo, os la recomiendo, sobre todo si sois fans de los Rollings.

SYMPATHY FOR GODARD

Sympathy for de the devil, la canción…fue compuesta por Mick Jagger, inspirado en la literatura rusa de fines de siglo XIX y comienzos del Siglo XX, que da cuenta del fin del régimen zarista y la irrupción del comunismo en la violenta Revolución de Octubre. La letra habla de una claudicación rebelde, de la presentación formal del demonio frente a la evidencia de un mundo agobiado por una serie de males como la Guerra de Vietnam, los movimientos revolucionarios y sus correspondientes represiones en París, Checoslovaquia y EE.UU; la discriminación racial y la “irrupción del poder negro”, con los “Panteras Negras”; el “triunfo” de la Revolución Cultural Maoísta; la Guerra Fría, la hambruna y la muerte. El diablo -canta Jagger una y otra vez- estuvo rondando a Jesucristo en sus momentos de duda y dolor; ante Pilatos cuando se lavó las manos y éste se miró en el espejo; y frente a los Kennedy cuando fueron acribillados. Es curioso que una letra tan pesimista y tétrica haya sido encabalgada finalmente en un ritmo afro, de una vivacidad más que celebratoria del caos, reflexiva sobre el destino del hombre en un mundo con instituciones desprestigiadas.

Sympathy for the Devil, La película (1968) es uno de los primeros docudramas maoístas de Jean Luc Godard y quizá el último trabajo inteligible del realizador, quien ingresaría en una noche de radicalismo y oscuridad en los siguientes años. …/…

Woody Guthrie

Woody Guthrie, el gran cantautor nacido el 14 de julio de 1912 en Okemah, Oklahoma, es el cantante de música folklórica norteamericana más importante de la primera mitad del siglo XX.

De aspecto famélico, recorrió todo el inmenso país a bordo de interminables trenes de carga o cruzando polvorientas carreteras para acudir en apoyo de los obreros en huelga, de los campesinos hambrientos y de los manifestantes apaleados en las calles.

Su estilo es personal, con influencia de la música tradicional irlandesa y del blues negro. Dotado de una inspiración inagotable, su extenso repertorio abarca más de mil canciones que aún hoy forman parte de los mejores repertorios de música folk y de canción protesta. Sus baladas disparaban tanto contra la guerra imperialista y el desempleo, como sobre los huelgistas, los vagabundos, los perseguidos, los represaliados y los presos. Recuperó las historias de bandidos generosos y anarquistas asesinados, pero también cantó con su voz, su armónica y su guitarra, a los niños y a los viejos, a los montes boscosos y a las llanuras desérticas de su país.

Forjó un estilo combatiente de lealtad indesmayable hacia todas las luchas obreras, las huelgas, las protestas populares y el apoyo de su voz y su guitarra a la suerte de los obreros y de todos los antifascistas.

Ver foto, (Esta máquina mata fascistas):

Escuchemos su voz, y como no, una versión de The house of the rising sun, primigenia, que casi solo identificaremos por la letra y que me tiene pilladisimo:

Las canciones de Guthrie llegaron a España de boca de los combatientes norteamericanos de la Brigada Abraham Lincoln, que vinieron a combatir al fascismo codo con codo, dando un ejemplo imborrable de internacionalismo y que luego fueron implacablemente perseguidos en su país por haber defendido la democracia.

Una de sus canciones más conocidas es This land is your land (Esta tierra es tu tierra), que expresa ese sentimiento joven, abierto, inconformista y solidario con el que los emigrantes originarios de países muy lejanos se unieron en un mismo país, en su país:

Había una tapia muy alta que trató de detenerme
y colocado un letrero que decía Propiedad Privada.
Pero por la parte de atrás no ponía nada
porque esta tierra es tuya, esta tierra es mía.
Esta tierra fue hecha para tí y para mí.

En los años 60 muchos (Bob Dylan, Donovan, Gratefull Dead, Bruce Springsteen, John Mayall) intentaron copiar su música, pero muy pocos a su persona. No se dieron cuenta de que ambas cosas están unidas, que su estilo no hubiera llegado tan alto sin esas jornadas interminables en los trenes de mercancías polvorientos que le acercaban a los obreros en huelga.

Veámosle en acción:

Vibrato

Siempre había creido que una guitarra eléctrica con vibrato era una cosa distinta a lo que acabo de descubrir hoy.

Yo se más de uno que le será de gran ayuda este gadget.

Martin Scorsese y el rock

Desde que el rock comenzó a dar guerra en los cincuenta, el cine ha tenido con este género musical más desencuentros que encuentros. Martin Scorsese, reciente Oscar al mejor director, es uno de los pocos realizadores que ha sabido trasladar la emoción del rock al celuloide. Él es el responsable de algunos de los mejores reportajes cinematográficos de la historia del rock.

Con un master en cinematografía por la Universidad de Nueva York recién estrenado, Scorsese participó en el montaje de Woodstock – 3 Days of Peace & Music (1970), como ayudante de dirección de Michael Wadleigh y trabajando codo con codo con la editora Thelma Schoonmaker, ganadora de un Oscar por este trabajo, que se convertiría en la montadora habitual del cineasta en próximos proyectos.

En 1973 Scorsese rodó Mean Streets, su tercer largometraje. Martin necesitaba canciones potentes que reforzaran algunas escenas y para ello entró en contacto con Allen Klein, un duro tiburón de la industria discográfica, patrón de ABKCO Records y poseedor de todo lo que grabaron los Rolling Stones para Decca entre 1963 y 1970. Por un módico precio llegan al cuerdo por el que Klein le cede dos canciones de los Stones, Tell me y Jumping Jack Flash. Esta última subraya el momento en el que Johnny Boy, personaje interpretado por Robert de Niro, entra a cámara lenta en el club.

Su siguiente trabajo para la industria del rock es The Last Waltz (1978), rodado en directo el 25 de noviembre de 1976 en el Winterland Ballroom de San Francisco. Era el concierto de despedida de The Band tras 16 años de carretera. Por el escenario pasaron músicos como Bob Dylan, Eric Clapton, Van Morrison, Neil Young, Muddy Waters, Joni Mitchell o Ringo Star. El ego de los artistas invitados y el gran consumo de cocaína durante el rodaje pusieron en peligro el proyecto que se editó dos años más tarde.

Este trabajo forjó la amistad entre Scorsese y Robbie Robertson, guitarrista y compositor de The Band, que compartieron numerosas noches llenas de blues y clásicos del cine. Robertson se convirtió en el asesor de los sountracks de algunas de las películas de Scorsese como Ranging Bull, The King of Comedy, The Color of the Money, Casino, Gang of New York, The Aviator y The Departed. Todas ellas repletas de clásicos del rock de artistas tan famosos como los Roling Stones, Allman Brothers, Cream, The Who, Harry Nilsson o George Harrison.

Scorsese también trabajó para Michael Jackson, dirigiendo el videoclip de Bad (1987). Y en el 2003 produjo una serie de tres documentales-ficción en los que se cuenta la historia del blues remontándose a sus orígenes. Uno se lo cedió a Win Wenders, otro a Clint Eastwood y el tercero lo dirigió él mismo.

Se unió a Bob Dylan para montar No Direction Home, un documental autobiográfico compuesto por entrevistas, grabaciones y una montaña de material de archivo. Destacar la escena del concierto del 17 de mayo de 1977 en Manchester, en el que una persona del público llamó a Dylan “¡Judas!” mientras presentaba el tema Like A Rolling Stone en formato eléctrico acompañado de su banda The Hawks, más tarde The Band.

Lo penúltimo que ha hecho Scorsese, seguro que hará más, es un documental de la gira de A Bigger Bang, en el que se cuentan anécdotas que acompañan a un concierto grabado en el Beaton Theater de Nueva York en el que participaron invitados tan diferentes como Jack White, Christina Aguilera o el bluesman Buddy Guy.

Por todos estos trabajos, se podría afirmar que Scorsese ha montado, sin duda, las mejores combinaciones de imagen y rock que se han visto y oído en las pantallas.

Javier Pina

Humo sobre el agua, fuego en el cielo

Corría el año 1971, los Purple se encontraban en Montreux (Suiza), para grabar su nuevo álbum en un casino de la ciudad (Casino Montreux), con un estudio portátil que habían alquilado a los Rolling Stones. La noche anterior al inicio de las grabaciones, se celebraba un concierto de Frank Zappa en el mismo casino donde Deep Purple iba a grabar el que a posteriori iba a convertirse en su disco de mayor éxito (Machine Head).

Sin nada mejor que hacer, no es difícil que eso ocurra tratándose de Frank Zappa, allí se encontraban disfrutando del concierto, cuando alguien, disparó una pistola de bengalas al techo incendiando todo el teatro.

Una vez desalojado el lugar y ya en la seguridad de su hotel, contemplaron desde la distancia el incendio, y vieron como el humo se expandía sobre el lago Geneva, junto al que se encontraba su hotel. De ahí la letra del estribillo de la canción:
Smoke on the water, fire in the sky
(Humo sobre el agua, fuego en el cielo)
Y es que lo que parecía contener un mensaje muy profundo, tan sólo es la historia de las aventuras y desventuras que el grupo sufrió para poder grabar su disco, pues el sitio donde se suponía que iban a grabarlo ya no existía.

Chuck Berry

Chuck Berry era pintor, de brocha gorda. Se le daba bien y ganaba más que como músico en sus comienzos, por eso tomaba su afición de tocar la guitarra como un hobbie. Cobraba en el garito del pueblo 50 dólares por actuar 3 días a la semana. Como pintor cobraba sus 300 dólares semanales. En cuanto le empezaron a pagar 1500 dólares por actuación, supo que debía dejar la brocha.

La forma de actuar de Chuck Berry era especial. No tenía banda de música. En las giras, viajaba él solo, con su guitarra. Si tenía una actuación en Las Vegas, los que lo organizaban debían ponerle una banda a Chuck Berry para cuando llegase, con la única condición de que se supiesen las canciones del maestro. Así que Chuck iba a Las Vegas él solo en coche, llegaba al recinto, afinaba su guitarra, y la banda ya estaba lista para tocar. Si los músicos de acompañamiento lo hacían bien, Chuck Berry les daba mil dólares. Así fue cómo Bruce Springsteen conoció a Chuck Berry, como telonero y luego como músico de banda en uno de sus conciertos (con 23 añitos).

Cuando acababa el concierto, Chuck se subía al coche y volvía a casa, con la cartera llena porque no tenía que pagar a nadie y de aquellas cobraba 20.000 dólares por actuación.

Bo Diddley

Llevo varios días revisitando los discos de Bo Diddley, para mi uno de los más grandes «rockers», con un sonido a veces que recuerda a los campos de algodón y sus ritmos básicos. Autor del famoso Roadrunner, 1959 o Who do you love, de 1955, nunca se le ha reconocido como uno de los MÁS grandes.Dice la leyenda que The Clash estaban organizando la gira estadounidense y la compañia de discos les dijo que podian escoger a quien quisieran para que abriera sus conciertos. Siendo fans de Bo Diddley, preguntaron que si podria ser el. La compañia de discos contesto algo como: «Um.. no estamos seguros de poder conseguir eso…» pero eventualmente si lo consiguieron. Tocaron con gente como: Lee Dorsey, Screamin’ Jay Hawkings, y Granmaster Flash, quienes fueron abuchados en el Bonds de Nueva York.

Para trasladarse a los conciertos, viajaban en un autobus con literas. Una noche (muy tarde) Joe Strummer encontro a Bo Diddley sentado, y no en su litera. Joe le dijo «Si sabes que tienes una litera ahi, Bo?». Bo le pidio a Joe que lo siguiera, lo llevo a su litera, y cuando abrio la cortina, alli estaba su guitarra. Bo Diddley dijo «Las guitarras viajan en las literas, yo viajo en los asientos»

escucha esto

No se lo cuentes a Colón

De la mano de mi amigo Miquel M. me llega el último disco de Graham Parker, Don´t Tell Columbus. Un disco redondito que bebe de las fuentes del Bob Dylan eléctrico setentero. También me recuerda a algunos trabajos de Van Morrison pero sin llegar a trabajar la voz como el cantante de Belfast.

Compañero de fatigas de Nick Lowe, Elvis Costello, Joe Jackson, un cuarteto de cuyas gargantas salieron algunos de los mejores discos de la segunda mitad de los setenta y primera de los ochenta en los UK, desde entonces le había perdido la pista hasta hoy.

¿Y qué es lo que no se debe contar a Cristóbal Colón? Pues, según canta Parker en el primer corte (I discovered America), que el verdadero descubridor fue él. Una broma con base real: residente en Estados Unidos a partir de 1985, Graham quedó fascinado por el país desde su primera visita en los setenta. «Se percibía otra libertad. La mitad de los chistes en Saturday Night Live giraban alrededor de las drogas, algo impensable en la televisión británica. Lástima del vuelco conservador de los últimos años, pero eso no quita para que la gente aquí sea cálida y generosa, incluso con desacuerdos».

Parker fustiga en el disco tanto al Gobierno de Bush como a John Kerry, no sin considerar al segundo una opción menos mala: «Todos los demócratas sabían que había algo equivocado en Kerry; los republicanos no saben que hay algo muy, muy equivocado en Bush». La sorna convive en Don’t tell Columbus con el amor. También con el drama: «Bullet of redemption es sobre un chico que se suicidó, el hijo de unos amigos. No pude evitar escribirla». Dicho tema deja un poso dylanesco y la voz de Graham, al igual que en I discovered America, recuerda al bardo de Duluth. «Sí, quizá en exceso, pero no importa, encaja con las canciones», admite sonrient

Pon a trabajar a tu mula y descárgate este estupendo trabajo.